Tutti gli spettacoli prodotti dalla compagnia dal 1998 ad oggi

NOTE DI REGIA
Ognuno di noi ha una storia e fa un viaggio, quello della propria vita. I momenti, le fasi, le esperienze delle persone che incontriamo si intrecciano alle nostre e ci fanno diventare quello che siamo, ogni giorno diversi, nuovi. E allora oggi abbiamo anche noi delle storie per voi, sarete voi il nostro spettacolo, il nostro viaggio: i vostri occhi, i sorrisi, le sensazioni che ci darete ascoltandoci, renderanno le nostre storie ogni volta diverse ed irripetibili. Protetti dall’atmosfera magica del teatro, non ci sarà più distanza tra il palco e la realtà, saremo tutti parte di un unico grande mondo, pieno di gioia, dolore, riso e pianto.

Rumori fuori scena è un’irresistibile e pluripremiata commedia inglese. Dal suo debutto ad oggi, ha fatto divertire milioni di spettatori ed ha raggiunto un numero di messe in scena e di repliche tale da spingerla in vetta alla classifica delle commedie più rappresentate al mondo.

Considerato il capolavoro comico per eccellenza, è scandita da un ritmo inarrestabile che porta lo spettatore a ridere fino alle lacrime.

Suddiviso in tre atti, è un riuscitissimo osservatorio sul mondo del teatro e sulle sue infinite, sorprendenti, e rocambolesche dinamiche interne.

Racconta di una Compagnia teatrale di buon livello impegnata a mettere in scena una farsaccia di serie B, “Con niente addosso”, diretta da un discreto regista, Lloyd.

I tre atti abbracciano un lasso di tempo che va dalla sera che precede il debutto, la famigerata prova tecnica, fino ad una delle ultime repliche.

Nonostante la buona volontà della Capocomica, Dotty Otley, di mettere assieme un cast valido, le immancabili raccomandazioni e amicizie di vecchia data, nonché gli amori e le gelosie che nascono in tournée, fanno sì che la Compagnia sia decisamente traballante, tanto da trasformare, replica dopo replica, “Con niente addosso” in un disastroso fiasco.

Questo gioco del teatro nel teatro permette allo spettatore di entrare, letteralmente, nel dietro le quinte, scoprendo tutti i meccanismi, i trucchi e le immancabili malefatte a discapito dei colleghi, che avvengono soprattutto durante la messa in scena!

Francia anni Cinquanta. In un paesino di provincia i membri di una famiglia alto borghese si ritrovano per festeggiare il Natale. Ma quest'anno non c'è nulla da festeggiare dal momento che il capo famiglia è stato assassinato. Ci sono otto donne che possono essere state l'autore o meglio l'autrice del delitto. Chi sarà fra loro?
 
Non soltanto un semplice giallo divertente o una commedia noir o un murder-mystery, quanto piuttosto un formidabile meccanismo teatrale che, attraverso una trama-pretesto infarcita di sorprese, eventi inaspettati e sconvolgenti rivelazioni, si diverte a mettere alla berlina le piccole ipocrisie della società borghese tradizionale in cui nulla è ciò che sembra.

note di regia:
E’ il 19 settembre 1870. Le truppe piemontesi di Cadorna hanno circondato Roma e sono pronte ad attaccarla per ‘liberarla’ dal potere temporale della Chiesa e per ‘riaffidarla’ ai destini dell’Italia.
Del blocco, rimangono vittima due carrozze che cercano di lasciare la città.
A bordo della prima c’è Ricciotto, il fido valletto del Marchese Onofrio del Grillo, che alla sua morte ha ereditato i suoi titoli e il suo patrimonio; nell’altra, invece, ci sono quattro persone: un finto conte con il suo valletto, e due avventurieri. Lei, Lucrezia è una bellissima dama in cerca di qualche pollo da spennare, mentre lui, suo cugino, è uno squattrinato pittore che cerca di arrangiarsi tra arte e qualche denaro proveniente dalla donna.
Una commedia in cui non mancheranno risate e colpi di scena, musica dal vivo!

NOTE           

Una performance che ha un solo scopo: far dello spettatore il protagonista della serata.
Ed allora si riderà, si rifletterà e ci si confronterà con i monologhisti in prima persona...faccia a faccia!
Assolutamente da non perdere!

Note di regia
Uno spaccato di vita quotidiana appena vissuta con le festività Natalizie passate da poco.
Una commedia definita amara proprio perché ci troveremo a ridere di vicende che in ogni casa, proprio sotto le festività natalizie, ognuno prima o poi si è trovato a vivere.
Ci troviamo in casa dei coniugi Rubicondi, Artemio e Teresa, che non vivono proprio un idilliaco rapporto grazie al caratteraccio di lui, sempre alle prese con le sue vere o presunte malattie, e con le relative decine di medicine che dovrà prendere regolarmente.
Per le festività natalizie vengono invitati Gustavo, fratello di Artemio, in eterno conflitto con il maggiore, e la svampita moglie Marta, e ci si dovrà organizzare tra il cenone di Natale e quello di Capodanno.
Bè, qualcosa va storto e tra battute al fulmicotone, pasti non proprio digeriti, litigi spassionati e malanni improvvisi, Artemio accusa un colpo ancor più profondo ed infimo rispetto a quello che vedremo prendere in scena dagli altri tre membri di questa sconclusionata famiglia.
E dopo trasformazioni fisiche e mentali che vanno dallo stile di “hitchcock” a quello più brutale di “shining” sarà un finale ancora più inatteso a sorprendere tutti e far fare l’ultimo, amaro, sogghigno.
Scene ed Attrezzi di Vittorio Sinceri
Costumi di Marialisa Bianchini
Luci e Musiche di Eduardo Henrique Bertuci
Trucco di Stefania Cau & Giulia Di Croce

Note di regia
La commedia presenta tre storie intrecciate e, collegate tra loro dalla celebrazione del matrimonio tra Teseo, duca di Atene, e Ippolita, regina delle Amazzoni.
Due giovani ateniesi, Lisandro e Demetrio, sono entrambi innamorati della stessa donna, Ermia; quest'ultima ama Lisandro, mentre la sua amica Elena è innamorata di Demetrio. Ma il padre di Ermia, Egeo, impone alla figlia di sposare Demetrio. Allora lei fugge con Lisandro nei boschi, seguita da Elena e Demetrio, ma i quattro si perdono nel buio e nelle loro schermaglie amorose.
Nel frattempo, Oberon, re degli elfi, e la moglie Titania regina delle fate, giungono nel medesimo bosco per partecipare alle nozze imminenti. Oberon vuole il servo indiano di Titania per farne suo paggio, ma Titania è contraria, perciò egli le spreme sugli occhi il succo del fiore vermiglio di Cupido, che fa innamorare della prima persona che si incontra al risveglio, per poi farsi cedere il servo indiano a cui lei, di conseguenza, non sarà più interessata.
Nello stesso tempo, una combriccola di artigiani che, per festeggiare il matrimonio, vuole mettere in scena una rappresentazione popolare sul tema di Piramo e Tisbe, si riunisce nella foresta per le prove dello spettacolo. Fra di loro spicca Nick Bottom, il Tessitore, uno dei più apprezzati personaggi comici di Shakespeare.
 
Una commedia maestosa, come il nome di chi l’ha ideata. Il Maestro Shakespeare ripone in questo testo molti ingredienti della sua poi futura carriera.

SINOSSI
E' il 10 agosto del 1999, la vigilia dell'ultima eclissi di sole del millennio. Sul treno speciale Roma-Salisburgo, in uno scompartimento di seconda classe, uno dei sei viaggiatori muore inspiegabilmente. Caratteri, culture, nevrosi e miti a confronto in una situazione estrema. Dostoewskijana teoria del diritto al delitto, un controllore impiccione ed arguto ed un finale paradossale che rivela la simbologia della storia.
 
NOTE DI REGIA
“Un viaggio iniziato a Novembre e che fa la sua prima tappa sulle magiche tavole di un Teatro.
Questo il percorso didattico del primo Corso di Teatro svolto dall’Associazione Teatrale Marionette senza Fili
nel Comune di Palestrina.
La sinergia nata tra l’Associazione diretta dal Regista Claudio Tagliacozzo e la Direzione Artistica dell’Auditorium Pierluigi è defluita in questo primo passo verso una collaborazione che nel futuro si presenta sempre più vigorosa.
Il Corso ha avuto una durata di sette mesi ed è stato caratterizzato da lezioni teorico/pratiche su svariati aspetti che una produzione teatrale esige; i discenti si sono trovati quindi ad affrontare lezioni di dizione, interpretazione su ruolo, movimento scenico, fonetica, e un approfondito studio dei più grandi autori che nel corso della storia si sono contraddistinti nel mondo del teatro, al fine di poterne carpire metodi, mentalità e tipologie di approccio alla messinscena.
Negli ultimi due mesi di lezioni, si è poi passato alla preparazione dello spettacolo di fine anno accademico, e la scelta è caduta su questo attuale testo che da subito è apparso complesso e singolare, grazie alla struttura tipica di un giallo, alla caratterizzazione di stereotipati personaggi, e agli svariati finali che ogni singolo spettatore potrà sostenere.”
Claudio Tagliacozzo

Il fantasma di Canterville è una parodia delle tante storie di fantasmi del folklore scozzese. Una famiglia americana, la famiglia Otis, acquista il  castello di Canterville, in Inghilterra e vi si trasferisce. Questo risulta abitato dal fantasma di un certo Sir Simon de Canterville, antico proprietario e uxoricida.
L’ambasciatore americano (Hiram Otis) ministro degli Stati Uniti, non si lascia intimidire dalle voci che corrono in quel luogo. La famiglia Otis è composta, oltre che dal Signor Otis e sua moglie Lucrezia, da quattro figli: Washington, il maggiore, Virginia, una graziosa e dolce ragazzina di diciassette anni e due scatenati gemelli, Timb e Tomb. Il giorno in cui si trasferisce nella nuova dimora la famiglia Otis scopre sul pavimento del salotto una macchia di sangue che, racconta loro la governante, la signora Umney, apparteneva alla moglie del presunto fantasma, da lui assassinata 300 anni prima.
La famiglia non si impressiona per nulla, ma, con l'intraprendenza e la praticita' tipica degli americani, provvede immediatamente a ripulire il pavimento con il loro prodotto tuttofare Pinkerton, lo smacchiatore universale! Durante le notti seguenti il fantasma, che realmente esisteva, infuriato per non essere stato preso sul serio dai nuovi inquilini, prova ripetutamente a spaventarli. L'effetto comico si sviluppa dall'atteggiamento scettico e pragmatico degli Otis che porta al fallimento di tutti i tentativi del fantasma di terrorizzare e scacciare la famiglia. Il colpo di grazia lo riceve quando, assalito all'improvviso dai due gemelli e da Washington, è costretto ad una vergognosa ritirata. Alla fine, però, Virginia, la figlia minore del signor Otis, cerca di instaurare un rapporto con lo spettro e ci riesce.
Un giorno mentre siede triste e ormai rassegnato, suscita la compassione della giovane. Le racconta la sua terribile storia e le confida di essere tanto stanco perché non dorme da 300 anni; implorandola di intercedere per lui aiutandolo così a morire e trovare finalmente pace. Virginia commossa decide di aiutarlo e lo accompagna nel giardino della morte pregando per la salvezza della sua anima… gli fa ottenere il perdono Divino?

La commedia e' andata in scena ininterrottamente nel Westland dal 1971 al 1987 con il record di 6761 rappresentazioni consecutive; "Niente Sesso siamo inglesi" è tra i più duraturi successi nella storia del teatro moderno inglese. In Italia la commedia scritta da Marriott e Foot fu portata in scena per quattro stagioni consecutive dalla ditta Garinei & Giovannini.
Nel 1973 Cliff Owen ne diresse una divertente trasposizione cinematografica. Una commedia spumeggiante e scanzonata che intende scardinare la facciata di perbenismo e apparenze che caratterizzava la societa' britannica del tempo.
Peter e Frances sono freschi sposini. Lui è il direttore di una sub-agenzia della National Bank alla periferia di Londra, banca che è proprietaria dell'appartamento nel quale la coppia vive. Pur essendo un tipo intelligente e spigliato, Peter si trova a dover subire il carattere della madre Eleanor, che decide di venire a passare un po' di tempo dal figlio. In realtà Eleanor, vedova, ha messo gli occhi addosso al direttore generale della National Bank, Thomas Morrison, e la visita agli sposi è solo una scusa per occupare una posizione strategica in vista dell'"offensiva". Il carattere odioso e invadente della donna risulta snervante soprattutto per Frances, ma il vero problema è che questa, che aveva ordinato un servizio di bicchieri presso una ditta svedese, si vede recapitare un pacco contenente tutt'altro genere di articoli. Per disfarsi della merce indesiderata, Peter e Frances coinvolgono l'ingenuo e sprovveduto Martin, cassiere della banca e amico di Peter. Martin finisce suo malgrado in un vortice ad alto rischio quando i due gli scaraventano addosso l'onere di disfarsi del materiale sempre più "importante" che continua copiosamente ad arrivare dalla ditta. Alla fine, disperato e al limite della sopportazione psichica, si troverà rincorso da due ragazze insieme ad Arnold Needham, il serio e compunto ispettore della banca arrivato per incontrare Morrison, il quale intanto coltiva la sua intima amicizia con la madre di Peter.

 La commedia racconta con ironia le malsane abitudini del mondo del business, rappresentato dal due magnati senza scrupoli e da due spregiudicate “accompagnatrici” che mettono a dura prova il matrimonio di due coppie di arrampicatori sociali.
I quattro protagonisti si muovono all’interno di una struttura scenica volutamente simmetrica. Ogni personaggio ha un suo alter ego che cerca di avere la meglio con l’inganno, creando nel corso dell’azione un equilibrio dinamico in continua escalation, coinvolgendo e ipnotizzando lo spettatore convinto di essere stato chiamato ad assistere ad un tranquillo e formale incontro d’affari.
I protagonisti, d’altro canto, devono far fronte a travolgenti colpi di scena che si susseguono incessanti nel corso dello spettacolo, coadiuvato da un ritmo veloce e frizzante. Un vortice di equivoci - in cui la fa da padrone il malcostume quotidiano- crea una sequenza di gag volte a rimarcare un concetto forte e chiaro: “gli affari sono affari”.
Una commedia innovativa che fa breccia tra i classici teatrali e punta i riflettori sul mondo contemporaneo che non può essere preso troppo sul serio.

Regia di Micaela Sangermano

Ognuno di noi ha una storia e fa un viaggio, quello della propria vita. I momenti, le fasi, le esperienze delle persone che incontriamo si intrecciano alle nostre e ci fanno diventare quello che siamo, ogni giorno diversi, nuovi. E allora oggi abbiamo anche noi delle storie per voi, sarete voi il nostro spettacolo, il nostro viaggio: i vostri occhi, i sorrisi, le sensazioni che ci darete ascoltandoci, renderanno le nostre storie ogni volta diverse ed irripetibili. Protetti dall’atmosfera magica del teatro, non ci sarà più distanza tra il palco e la realtà, saremo tutti parte di un unico grande mondo, pieno di gioia, dolore, riso e pianto.
Buon viaggio!

 Commedia gialla brillante in due atti di Mauro Cattivelli e Paolo Quattrocchi
Regia di Claudio Tagliacozzo e Francesca Romana Di Santo

Note di regia
Nella commedia "Attento alla cioccolata, Callaghan!", i luoghi comuni del giallo-"noir", sia sotto forma di romanzo che di film, vengono utilizzati in maniera parodistica per creare effetti di comicità surreale.

Tutto si rifà inizialmente alle trite descrizioni di luoghi e personaggi che abbiamo tante volte trovato nelle opere del genere: per gli ambienti, non poteva mancare l'atmosfera decadente del disordinato e polveroso studio di Callaghan, l'immagine della notte fredda e piovosa che avvolge la squallida periferia della metropoli americana; la visione notturna del porto umido e nebbioso; le sagome ostili dei containers; la vecchia automobile scassata di Callaghan, ecc.
Anche i personaggi sono quanto di più stereotipato: l'ispettore dai modi asciutti e burberi, "tombeur" di donne affascinate della sua virile sicurezza, la bella ereditiera elegante e viziata, il giudice irlandese ridanciano, ecc.
Nel corso della commedia, però, tutto questo campionario di banalità e di luoghi comuni viene rivisitato e modificato dall'intervento di Lara, che stravolge gli stereotipi più consueti, ed in particolare quello della segretaria timida e bruttina segretamente innamorata del capo...
La commedia vuole quindi mettere giocosamente in risalto i luoghi comuni e gli stereotipi del racconto e del film giallo-noir, parodiandoli e proponendone un’alternativa surreale e comica.
L'azione si svolge su due piani: le scene del romanzo che Tommaso e Lara scrivono vengono interpretate "in diretta" da Callaghan e dagli altri personaggi, in una girandola di colpi di scena che rendono sempre più intricato l’incredibile caso Aulait & Von Dent...
 
Tommaso, apprezzato scrittore di gialli "noir", è disperato. Una grave crisi di ispirazione non gli ha consentito di ultimare il centesimo numero della fortunata serie del Detective Callaghan, che il suo editore attende improrogabilmente fra poche ore.
Per fortuna Tommaso scopre che Lara, la sua nuova colf russa, è dotata di un grande talento di scrittrice di gialli e le chiede di aiutarlo. Lara accetta, ma a una condizione: il romanzo che scriveranno a quattro mani non dovrà utilizzare, se non ironicamente, i soliti luoghi comuni del giallo noir di cui è infarcita la serie dell’illustrissimo ispettore Callaghan.
Il nuovo giallo è intricato e denso di colpi di scena. Callaghan e la sua socia (già segretaria) Della Mortimer si recano al porto per proteggere da un ignoto ricattatore la bella Jacquéline, figlia del magnate del cioccolato Aulait.
Lì incontrano Greta, figlia dell'industriale del cioccolato von Dent, acerrimo rivale di Aulait e scoprono che anche lei è vittima dello stesso ricatto fatto a Jacquéline, basato su alcune foto compromettenti.
Anzi, scoprono che ci sono altri ricatti e ricattatori coinvolti in questo strano caso, fra cui l'insospettabile Pubblico Ministero O'Hara, vecchia amica di Callaghan e Julio de Plata, fidanzato (a loro insaputa) sia di Jacquéline che di Greta.
Ma per le due ragazze le sorprese non sono finite: scopriranno infatti che, oltre al fidanzato, hanno anche il padre in comune...
 
Tante risate ci aspettano, a conclusione di questo primo anno accademico dei Corsisti Senior.
Una commedia difficile per la tecnica teatrale che richiede la messinscena, e che vale davvero come una doppia sfida per chi, fino a 7 mesi fa, partecipava al mondo teatrale soltanto dalla platea.
Con forti emozioni e concentrazione massima, è arrivato il momento di mettersi davvero in giuoco, ma questo spettacolo dovrà esser per i nostri discenti, un punto di partenza, e in nessun modo di arrivo.

Diretto ed interpretato da  Claudio Tagliacozzo
 
Note di regia
Liolà è una commedia di Luigi Pirandello scritta nel 1916 durante la prima guerra mondiale, in un momento molto doloroso per la vita dell'autore: il figlio era detenuto in un campo di prigionieri di guerra e la moglie cadeva in sempre più frequenti crisi della sua malattia mentale. L'opera invece, nonostante questa angosciosa condizione della vita dell'autore, è molto giocosa ed allegra, quasi spensierata, al punto che l'autore stesso dirà «è così gioconda che non pare opera mia».
La commedia fu messa in scena per la prima volta il 4 novembre 1916 al Teatro Argentina di Roma con la Compagnia di Angelo Musco. Poiché era scritta totalmente in lingua siciliana, all'inizio pubblico e critica avevano molte difficoltà nel comprendere i dialoghi. Questo inconveniente convinse l'autore ad inserire nel testo una traduzione in italiano della commedia.
La vicenda di Liolà è ispirata ad un episodio del capitolo IV del romanzo di Pirandello Il fu Mattia Pascal.
Ha per protagonista Neli Schillaci, detto Liolà. Nome e soprannome erano già stati attribuiti ad un altro personaggio: Neli Tortorici, nella novella La mosca.
Liolà è un personaggio spensierato e vagabondo, appassionato per il canto e la poesia, sempre in sintonia con il mondo e la natura.
 La società contadina descritta da Pirandello nella commedia, richiama, per certi versi le tematiche verghiane, quelle caratterizzate dalla brama di possesso per le ricchezze materiali, per la terra, per la roba.
In questo mondo rurale, piccolo nel suo egoismo e ipocrisia, grandeggia e agisce da elemento sovvertitore la figura panica di Liolà, un semplice bracciante che, senza alcun interesse per il benessere materiale, vive senza remore la sua sessualità, sconvolgendo allegramente e senza neppure accorgersene, le regole grette e meschine della morigerata società in cui vive.
Come in altre opere di Pirandello, proprio colui che appare il colpevole trasgressore delle norme sociali è invece il giusto e generoso riparatore dei torti subiti da chi è stato ingannato: aiutando Mita ad essere riammessa in casa del marito, mettendola incinta quasi per burla, Liolà, seguendo spensieratamente la sua natura, ristabilisce la giustizia.
il regista

Maurizio Ravà (Norman)

ed Ilaria Neri (Sophie Ross)

Regia di Claudio Tagliacozzo

Note di regia

 “Due scapoli e una bionda” o come è a noi più nota “Andy & Norman” è una fiaba moderna nel perfetto stile dell'autore, Neil Simon, che con armonia e sarcasmo unisce le attività degli anni '60  alle nevrosi dell'uomo contemporaneo esaltandone i toni più comici! Nasce come commedia brillante e si prefigge di far ridere a crepapelle, ma come sempre negli spettacoli di Simon, subito sotto la superficie emerge qualcosa di più profondo.

 

Andy e Norman sono due scapoli, precari, che compilano il loro bollettino giornaliero di sopravvivenza.

 

Sempre senza un soldo i due fanno di tutto per  tirare avanti: Norman, vulcanico, irrequieto scrittore, consuma i suoi polpastrelli a forza di battere sui tasti di una vecchia Olivetti anche se spesso la sua fantasia esplosiva viene interrotta da vuoti di ispirazione.

 

Andy è un produttore improvvisato, la parte razionale e cinica dei due, preda degli umori della padrona di casa, la signora Macchinini, di cui è l’accompagnatore pur di evitare che ritiri l’affitto scaduto.  

 

La convivenza di Andy e Norman, che già si presenta precaria e ricca di situazioni originali, viene ulteriormente sconvolta dall'arrivo di Sophie, una formosa ed emancipata ragazza americana, che fa innamorare a turno i due, mettendo in seria crisi una storica amicizia.

 

Le tre figure si muovono all'interno delle maglie di una trama ricca di situazioni esilaranti ed il lieto fine è il modo migliore per concludere una commedia divertente e sempre attuale.

 

Andy e Norman è il sogno americano condito in salsa italiana, con tutti gli incubi che questo comporta…uno specchio rotto in cui ognuno ritrova frammenti di se.

 

La commedia venne rappresentata per la prima volta a Broadway, al Plymouth Theatre, il 21 dicembre 1966, interpretata da Anthony Perkins nella parte di Andy, Richard Benjamin nella parte di Norman e Connie Stevens nella parte di Sophie; in questo primo allestimento rimase in scena per 261 repliche. L'interpretazione degli attori valse a Benjamin e alla Stevens, nel 1967, un Theatre World Award.

 

Fonia e luci a cura di Matteo Proia

Scenografia ed attrezzi di Luana Borro e Mara Marcurio

Direzione di palcoscenico gestita da Silvia Perciballi

Assistenza alla regia di Stefania Donati

 Nel Medioevo le streghe venivano mandate al rogo, perché inadeguate, scomode, diverse.

Al giorno d’oggi basta il giudizio e la morale della gente, non c’è più bisogno del fuoco.

Quattro prostitute, quattro passati segnati da un’infanzia non vissuta, da un presente crudo e materialista, da un futuro che sembra non avere sogni. Ognuna col proprio segreto, con le proprie paure, sofferenze e piccole certezze.
L’ambiente rassicurante della loro casa, viene sconvolto dall’arrivo di un “Lui” (Claudio Tagliacozzo) che forse esiste solo nella loro mente; da un sorta di marionetta di cui ognuna di loro si serve per esternare le proprie debolezze, la rabbia, i desideri.

E’ un alieno o un uomo, o solo una fantasia?

In platea si vive un scambio temporale di situazioni; il “presente” è rappresentato da un banco di tribunale, ove le attrici a turno, ruotano e danno una loro versione di come è finita la “storia”.
Modi diversi di vivere l’amore, emozioni intense, paure e reazioni che coinvolgono lo spettatore da vicino. Pezzi di vita. 

Le protagoniste sono: Alba (Linda Salvi) sfrontata ed esperta della vita, Gina (Carmen Sorrenti) servizievole ed arrabbiata allo stesso tempo, Tuna (Ilaria Cicchinelli) misurata ed intelligente, Morena (Deborah Ponzo) sudamericana passionale e bugiarda.

Ognuna di loro difenderà la propria tesi con energia e determinazione, ed al pubblico il compito di giudicare se sono delle assassine, delle streghe, o semplicemente delle donne…

Per la prima volta sul palco, dopo un percorso di studio e sperimentazione, le giovani allieve si misurano con personaggi interiormente profondi e con tante sfaccettature, a seguito di un lavoro che nel corso dell’anno ha permesso di superare i propri limiti personali e di essere pronte per affrontare un testo drammatico, comico, assurdo e realistico allo stesso tempo.

Inusuale la scelta di un testo così “particolare” per segnare sulla lavagna una linea che demarca l’arrivo di un percorso formativo e l’avvio di una carriera artistica che se ha come inizio uno spettacolo come “Streghe da marciapiede” può significare solo tanto talento, passione e giusta riflessione per le quattro corsiste.

 

Scritto nel 1990 dal Maestro Francesco Silvestri, “Streghe da marciapiede” viene segnalato al premio Idi 1992. Viene rappresentato per la prima volta il 12 settembre 1992 al Festival Città Spettacolo di Benevento dalla Cooperativa "Teatro Nuovo-Il Carro" per la regia dello stesso autore. Già rappresentato dalle Marionette senza Fili al Teatro Duse di Roma nel 2003 per la regia di Claudio Tagliacozzo.

In questa versione, Tagliacozzo, ha voluto condividere la regia con l’altra insegnante del Corso, l’attrice e regista Micaela Sangermano, e diversamente dalla versione del 2003, ha voluto provare di persona, sul palco, i quattro intensissimi e diversi modi d’amare delle Streghe.

Nella suggestiva atmosfera creata dai giochi di luci e da taglienti brani musicali, gestiti dal fonico Matteo Proia, è significativo l’apporto del trucco e parrucco di Stefania Cau e da una minuziosa Direzione di Scena di Silvia Perciballi.

 Due squattrinati artisti, il pittore Vittorio Floscio (Alberto Parsi) ed il più giovane scultore Eduardo Morelli (Giulio Nanni), vivono, se così si può dire, in una stanzetta in affitto in un palazzo alquanto fatiscente.

La fame e la debolezza accompagnano i due nelle brevi ma intense vicende che li vedono coinvolti nella disperazione del loro stato. Ed allora i due si barcameno, tra gag e battute, fingendosi grandi artisti dapprima con Pasquale il portiere (Massimiliano Bossi) e Gustavo il padrone del ristorante (Ernesto Colosimo), ed il benestante Nicola Melasecca (Valerio Giombetti) e la nobile signora Giulia (Ilaria Neri) poi.

Ovviamente incalzano una figuraccia dietro l'altra, riuscendo con difficoltà a reggersi in piedi per i morsi della fame.

Quando anche Giulia, alla quale era stato promesso un bozzetto va via dalla casa uno spiraglio di luce, sottoforma di cibo, illumina i due poveracci, ma…

 

La ricercata e realista scena è firmata da Luana Borro, impreziosita da tutti gli attrezzi di scena curati da Mara Mercuri. Consueto apporto al trucco e parrucco di Stefania Cau ed alla fonia/luci di Matteo Proia, il tutto orchestrato dalla sapiente mano del Direttore di Scena Silvia Perciballi.

 Considerato, dopo Moliére, uno dei più grandi autori del teatro comico francese, Feydeau scriveva: "Se vuoi far ridere, prendi dei personaggi qualunque, mettili in una situazione drammatica e procura di osservarli da un'angolazione comica".

Spesso non sono infatti i suoi personaggi ad essere strani, ma lo sono le situazioni nelle quali essi si ritrovano. E i meccanismi con i quali le costruisce sono impeccabili, ingegnosi, perfetti.

Il 17 Dicembre 1886 "Sarto per signora" ottiene un grandissimo successo.

Prima commedia in tre atti di Feydau, venne scritta in realtà tra il 1882 e il 1883. Opera d'esordio di un autore ancora giovane, contiene personaggi che diverranno poi tipici nell'opera del commediografo francese.

E’ un testo costruito su clamorosi equivoci, vertiginosi colpi di scena e deliziose situazioni comiche.

Una coppia di giovani sposi, una suocera ingombrante, una schiera di amanti ed aspiranti tali e, naturalmente, un maggiordomo: i personaggi sono quelli della tipica “commedia degli equivoci”. Il risultato è una pochade a ritmo frenetico, con congegno verbale perfetto in cui l’incastro di dialoghi, giochi di parole, entrate ed uscite di scena ha una precisione matematica. Una bomba ad orologeria che nel finale, nel momento, cioè, in cui viene scoperto il gioco, esplode in una miriade di coriandoli e fuochi d’artificio.

Qui si narra di Molineaux, medico della Parigi di fine '800, che viene scoperto dalla moglie Yvonne in abito da sera , con la faccia stravolta, di prima mattina. In realtà Moulineaux ha passato la notte sul terrazzo di casa, dietro le finestre chiuse dal cameriere Stefano. Una notte “passata” con la sua bella cliente Susanne. Alla moglie Yvonne inventa di aver vegliato tutta la notte un amico di famiglia, Bassinet, che era in gravissime condizioni di salute. Ma dopo poco Bassinet suona alla porta...
Questo è solo lo spunto che porterà tutta una lunga catena di equivoci di irresistibile comicità nel quale saranno coinvolti tutti i personaggi: la suocera, il cameriere, l'affittuario invadente, la moglie dell'amico invadente, nonché l'amante, il marito dell'amante, l'amante del marito dell'amante, e clienti ambigue della sartoria.

L’attualità di questo commediografo francese, sta nel fatto che il pubblico di oggi, rivedendo i suoi vaudevilles, non li considera affatto come figli di un’epoca determinata, passata e superata, ma  coglie in essi una relazione con il presente e con la società attuale. Nelle sue opere, dove la parabola degli equivoci porta quasi ad un’assurda comicità tragica, vi è la chiave per capire molto teatro contemporaneo, le logiche conseguenze, i contraltari, le appendici deliranti, i commenti, i corollari, in autori fra i più disparati come Cechov, Wedekind, Beckett, lonesco, e Brecht stesso (in “Nozze piccolo borghesi”).

 

Un piacere firmare una regia “cucita” davvero sul cast che Marionette senza Fili propone in questa seconda produzione del 2012.

Perfetto il connubio tra gli storici maschietti della Compagnia (Alessandro Pinci, Alberto Parsi, Giulio Nanni, Bruno Annecchini), e ben sei femminucce che a due a due hanno storie diverse (Angela Pariota ed Antonella Capeto new entry; Beatrice Palumbo e Paola Canuzzi tornate dopo anni d’assenza; Mara Mercurio e Simona Proietti promesse uscite dai nostri Corsi di teatro), il tutto orchestrato dall’esperienza e la passione di Silvia Perciballi (Direttore di Scena), e dalla voglia di fare che Stefania Donati (anche lei valida promessa uscita dal vivaio dei Corsi) ha posto nell’inconsueti vesti di Assistente alla Regia. Ovviamente necessario l’apporto di Matteo Proia (Fonico) e Stefania Cau (trucco & parrucco), che vengono affiancati dall’attrice Ilaria Neri, che stavolta veste i panni di Attrezzista di scena per completare un cast davvero senza eguali.

 

Questo spettacolo lo dedichiamo alla Marionetta Daniela Benedetti, che prematuramente in gennaio ci ha lasciati dopo aver combattuto, e purtroppo perduto, la sua personale battaglia contro il Male.

                                                                                                                                                     il regista

Claudio Tagliacozzo

 Roma, ai giorni nostri.

La vita coniugale di Attilio non è certo il massimo, dato che la moglie Letizia è la classica oca spennata. Ma questo non è in fondo un male, perché Attilio riesce a darle a bere qualsiasi cosa e a tenere facilmente nascoste le sue innumerevoli scappatelle nei suoi viaggi di lavoro di commerciante di macchine per la pasta.

La routine quotidiana si interrompe bruscamente quando Attilio trova nel guardaroba Monique, spogliarellista del Chez Maxim nonché sua ex amante, che gli crolla addosso. Credendola morta, l'uomo colto dal panico chiama il cognato, l'avvocato penalista Ludovico Grosso, che abita al piano superiore.

Questi, celibe, tutto casa, lavoro e chiesa, era andato a dormire alle 20:30. Non certo abituato a scosse adrenaliniche improvvise, Ludovico va in tilt quando Monique si rianima per poi svenire di nuovo. E c'è un'altra cosa che sconcerta i due uomini: sotto la pianta del piede porta il marchio "made in South Africa"…bè, questo è solo ciò che avviene nei primissimi minuti…a voi il gusto di scoprir altro!

Note di regia di Claudio Tagliacozzo

 “Era una notte buia e tempestosa...” così ha inizio, come da prassi, questa rappresentatissima commedia di Aldo Cirri.

Un inizio tipico per una situazione che fin dai primi attimi si tinge di giallo.

In un castello della brumosa Scozia, abitato da un barone scozzese Sir Arthur Mc Kinley, sua moglie Lady Elizabeth e sua figlia Miss Lorna, avviene un terrificante omicidio.
Chi sarà l’assassino? Il maggiordomo Gregory o la governante Miss Person? L’amministratrice del castello Mrs Paperblack o l’amante di Lady Elizabeth il dottor Bladston, oppure Anthony Spring il fidanzato di Miss Lorna?
Il commissario di polizia Von Ubermehier e il suo ineffabile agente Wilbur indagano….

Un delitto, un commissario, una famiglia, amanti, colpi di scena e gag, animano questa che sarà la prima fatica di questo 2012 targato Marionette senza Fili.

 Questo spettacolo non è comunque inedito per le Marionette, perchè è stato, nel Giugno scorso, il saggio del Corso di Teatro Senior 2011. Ma tali corsisti, talmente bravi, oltre ad esser stati portati in scena in una calda sera dell'estate Palestrinese, han meritato un periodo ben più lungo delle due serate che contraddistinguono un saggio.

Ed allora per ben nove repliche potremo assistere ai discenti che ormai possono considerarsi abili e arruolati tra le fila dell'Associazione.

 Come si può facilmente intuire dal titolo, “Pinocchia”, di Stefano Benni, è un testo liberamente ispirato al capolavoro collodiano. Della fiaba originale, oltre ad alcuni personaggi centrali, rimangono soltanto alcune tematiche come, ad esempio, l’eterna questione “bugia/verità”. Ma mentre nella fiaba di Collodi emerge il bisogno di perseguire a tutti i costi un mondo perfetto e ideale in cui la menzogna non esiste, nella versione di Benni emerge la presa di coscienza dell’impossibilità reale della verità: perfino “la natura è bugiarda”! Diversi e attualissimi sono gli spunti di riflessione che offre Benni in questo esilarante lavoro dolce e amaro allo stesso tempo: il rifiuto della solitudine da un lato ma l’incapacità di interagire con il mondo reale dall’altro; il desiderio di un rapporto vero da un lato e il disagio di vivere dall’altro, col conseguente bisogno di rifugiarsi in un mondo virtuale fatto di siti erotici e hot-line.

Geppetto, un po’ padre e un po’ padrone, un po’ sposo e un po’ amante, un po’ vittima e un po’ carnefice, che ora vuole proteggere e ora vuole sottomettere, incarna perfettamente le contraddizioni e le ipocrisie della società odierna.

Pinocchia non è “né di carne né di legno”, né bambina né donna, si muove alla scoperta del mondo, illudendosi che il mondo ami quelli che, come lei, sono “curiosi e innocenti”, ma approda soltanto nel paese dei balocchi in cui guerre e beneficenza sono un business, in cui prima si bombardano le scuole e poi si fanno i concerti per ricostruirle… ma anche questo, purtroppo, è attualità!!!

 

Seconda fatica per l’Associazione Teatrale “Marionette senza Fili” in questo 2011.

Dopo l’enorme successo riscosso da “La guerra di Martin” altro genere, altro tema, ma soprattutto altro cast, pronto a stupire con questa parodia del famoso Pinocchio di Collodi.

I personaggi sono cuciti sulla pelle dei loro interpreti: Micaela Sangermano (Pinocchia) sembra trovarsi nella sua “fiaba su misura”…Francesco Lavorgna (Geppetto) si cala nel ruolo di un genitore che non vuole mai crescere…Alessandro Pinci (Grillo) è la coscienza che ognuno di noi NON vorrebbe mai avere…Simona Proietti (Fatina) si pone come madre suprema della “dura, e vera” verità…ed infine Giampiero Marrocco e Valentina Rizzi (il Gatto e la Volpe) scalmanati e affiatati quanto basta per truffare chi non sempre riesce a vedere nel marcio della quotidiana società.

Fedele spalla della mia regia, Federica di Stefano, organizza lo spettacolo e cura gli impianti audio e luci; La fonia di Matteo Proia come sempre puntuale e puntigliosa; divertente ma impegnativa la fatica nel trucco e parrucco di Stefania Cau; una promozione per l’attrezzista di “Martin” Silvia Perciballi che cura in “Pinocchia” la Direzione di Scena, ed infine un lieto innesto nella compagnia: Luana Borro che aiuta la causa come attrezzista e sarta di scena vede premiata la sua passione artistica e la sua professionale precisione.

il regista Claudio Tagliacozzo

 “…A più di dieci anni dal suo inizio, la guerra tra l’emisfero superiore e quello inferiore continua incessante senza mostrare alcuno spiraglio di conclusione. I combattenti infatti…”

Proprio così ha inizio questa brillante commedia scritta dall’autore-attore-regista Francesco Silvestri.

L’autore, che ha collaborato in passato con la compagnia, affronta ne “La guerra di Martin” temi non proprio sottili, come quello della guerra, della morte, della diversità; il tutto però è rallegrato e reso più “leggero” proprio da questo personaggio, Martin.

La commedia narra le vicende di Martìn Senzasperanza “scemo legale”, con tanto di certificato,  che conduce la sua personale “guerra alla guerra”, trasformandosi in un eroe per caso prodigato a restituire all’umanità disumanata il privilegio della felicità e l’emozione dell’infanzia.

Martìn, un po’ clown, un po’ guitto, un po’ marionetta, saggio e disincantato e’ uno di quelli che può giocare con la vita, scacciare la tristezza, dire impunemente ogni verità, sconfiggere la cattiveria, la presunzione, la violenza, la morte.

Il sacco che Martin porta con sé custodisce una riserva di oggetti di rara e insolita virtù: milioni di ricordi, uno per ogni abitante della Terra.

Nel suo percorso il nostro protagonista incontrerà una serie di personaggi che, con la loro originale individualità, contribuiranno a rendere questo viaggio indimenticabile.

Ed allora lo spettacolo narra…la storia di Ario, il disertore, che diventa amico di Martin e viene più volte catturato e più volte liberato dal nostro protagonista, finché…la storia del Generale Generalissimo Scorfi, sempre in assetto di guerra, che vive solo per la guerra, e se la guerra non ci fosse lui la inventerebbe… la storia della Signora Morte, che non accetta ingiustizie e differenze perché davanti a lei tutti gli uomini sono uguali…E’ la storia della Ragazza Sordomuta, che vaga sorridente sempre, sola per il mondo e che s’intende a meraviglia con lo scemo Martin!

Dal suo voluminoso sacco tira fuori un'inesauribile riserva di oggetti di rara ed insolita virtù: l'armonica di Ario, la stampa della città di Roma che fu culla del Generalissimo e le scarpe di lana della mamma di Ario dispongono del dono eccezionale di riconsegnare al possessore la dimensione smarrita di una età giocosa e spensierata.

 

Il tema della guerra è trattato in modo sfumato, tra gag e bizzarre trovate, finte esecuzioni e resurrezioni provvidenziali ma allo stesso tempo incisivo.

La guerra (come sinonimo di tutte le vicende e i problemi della vita) va combattuta con il cuore e con la forza delle idee e non con le armi.

Questo piccolo gesto può aiutare a far nascere di nuovo il sole in ognuno di noi…

Di più, la svariata oggettistica si offre quale simbolo metonimico della esistenza medesima di ogni rappresentante dell'universo umano.

È proprio il distruggere con queste armi l'immagine cupa ed angosciosa di quest'ultima il regalo conciliante oltre ogni immaginazione.
           Madama Morte non fa paura agli "sciocchi" e il loro non aver paura li salva, li rende invincibili, lieti eroi di una battaglia combattuta tra pavidi saggi.
           Scenografia essenziale “modellata” dagli attori in scena, luci e musiche efficaci delineano uno spazio e scandiscono un tempo indefiniti, in cui l’attore rivive la sempre attuale vicenda umana della guerra.

 

Il 6 maggio del 2000, la giovane compagnia teatrale da me diretta, che s’era formata in quel dell’I.T.C.G. Luigi Luzzatti di Palestrina, portò questo spettacolo al Festival Internazionale di Teatro Giovani a Sanremo (Wef oggi detto Gef), aggiudicandosi tra le 98 scuole di tutta Europa il primo premio.

Oggi, a dieci lunghi anni da quel giorno, proprio come la guerra che si narra, lunga dieci anni, ho voluto rivivere quelle emozioni.

All’epoca, giovane ed esuberante regista; oggi regista come allora, ma con la voglia di far esplodere il mio Martìn, interpretandolo fino in fondo!

La compagnia viene tutta implicata in questo progetto, servendosi dei meravigliosi innesti che da quest’estate sono entrati in pianta stabile nell’Associazione.

Ed allora un grande grazie a tutti i miei attori, i miei tecnici, e alla coreografa Arianna Mecozzi, insegnante di Danza del ventre nella Scuola di San Cesareo FULLDANCE, che oltre a scendere in prima persona sulle magiche tavole, ha creato tra le sue allieve, un cast di ballerine eccezionali, al fine di rendere ancor più vivo ogni momento dello spettacolo.

 Ma forse il grazie più grande spetta proprio all’autore…  Francesco Silvestri, che scrisse questa commedia in giovane età, nel 1986, dedicandola all’amico che abbiamo in comune, il Professor Pasquale Mellone.

Le opere di Silvestri hanno ottenuto diversi riconoscimenti, tra i quali il premio IDI per “Streghe da marciapiede” e “Angeli all’inferno” e il premio ETI per “Saro e la rosa”.

Le sue favole per bambini sono state pubblicate dall’Unicef.

Francesco Silvestri e’ unanimemente riconosciuto come uno tra i più originali drammaturghi del nostro panorama teatrale contemporaneo.

Un curioso aneddoto…

"…Nel 1986 presentai Martin, fuori concorso, al Festival di teatro per ragazzi di Battipaglia. La mia idea fu quella di presentare dieci minuti di spettacolo al giorno prima dell'inizio di quello in cartellone. Una puntata al giorno, per sei giorni, ed al settimo avrei fatto l'intero spettacolo con la puntata finale. La proposta si rivelò vincente. La gente si appassionò alle puntate proprio come quelle in televisione. I centocinquanta giurati impugnarono il regolamento, minacciando di non assegnare nessun premio se non avesse vinto La guerra di Martin…"
(V. ALBANO, Conversazione con Francesco Silvestri, Maggio-Settembre 2005).

Un omaggio al Maestro Silvestri Francesco, al quale DEVO l’accendersi della morbosa passione per l’arte teatrale: “..la Regina delle Arti..”

 

il regista Claudio Tagliacozzo

NOTE DI REGIA

 

La più celebre commedia di Neil Simon “La Strana Coppia” (The odd couple) ha il suo esordio come spettacolo teatrale, regia di Mike Nichols, a Broadway il 3 ottobre ‘65 al Plymouth Theatre
di New York City.

I protagonisti, interpretati oggi dal duo Marrocco & Parsi, erano Art Carney nella parte di Felix,

 e Walter Matthau in quella di Oscar. La pièce venne poi allestita al Eugene O'Neill Theatre (1966-1967):

in totale ebbe 966 rappresentazioni continue.

La commedia è ambientata a New York negli anni sessanta: due divorziati, Felix e Oscar, diversi in tutto e per tutto, dividono un appartamento e si scontrano con i problemi di convivenza quotidiana,

dando vita a continue ed esilaranti gags di spassoso e sano divertimento.

Ne La strana coppia il più geniale e prolifico autore del teatro comico della seconda metà del '900 ci narra della difficile e alquanto complicata convivenza tra due uomini diametralmente opposti, offrendoci l'occasione per riflettere sulle fragilità e sulle nevrosi "metropolitane" dell'animo umano

e soffermandosi ironicamente sulla "middle class" americana.

La fonte di ispirazione dei spettacoli di Simon era suo fratello Danny, il quale era divorziato e viveva con un suo amico, anch'egli divorziato, per dividere le spese e salvarsi dagli alimenti;

come spesso accade nelle convivenze tra caratteri molto diversi, anche loro,

come poi faranno i due personaggi teatrali, iniziavano a non sopportarsi piu'.
In tutto cio', Simon vide subito una storia che avrebbe potuto avere successo e propose a suo fratello, anch'egli scrittore di commedie, di farne un soggetto cinematografico. Danny inizio' a scrivere qualcosa, ma vi dovette rinunciare rimandando a suo fratello Simon il compito di continuare al suo posto.

 

Dal teatro al cinema: Il film LA STRANA COPPIA

Nel 1968, visto il successo teatrale de La Strana Coppia, si penso' di farne anche un film.
La sceneggiatura era corrispondente a quella teatrale, solo il set era piu' vario: oltre all'appartamento di Oscar (ambietazione della versione teatrale) ora molte scene venivano girate in esterno.

Il ruolo di Cecily Piccione era di Monica Evans. Sia la Evans che Matthau presero parte anche alla trasposizione cinematografica della commedia stessa, negli stessi ruoli. Il Ruolo di Felix invece,

venne assegnato a Jack Lemmon, che lo interpretò magistralmente.

I coprotagonisti non sono solo un delizioso contorno alla storia, ma parte integrante della vita dei DUE; ed ecco che le caratterizzazioni necessarie degli altri, sono solo una forzatura al già diversissimo modo di essere degli stessi, nell’ottica di proporre tante diversità racchiuse in un unico sito.

Le due sorelle invece, svolgono in due un solo ruolo, ma che è comunque un modo diverso di essere.

Su questa diversità d’Essere si basa la regia dello spettacolo,

al fine di far uscire in pieno le intenzioni del geniale autore.

Mai come in questo testo alcune battute di classico humour anglosassone sono semplicemente acutissime

e mostruosamente ironiche, seppur non direttamente intuibili.

 

Il premuroso poliziotto Murray (Luigi Tullisi), il burbero Speed (Massimiliano Bossi), l’eccentrico Vinnie (Alessandro Pinci), le “strane” sorelle Piccione (Micaela Sangermano e, per la prima volta su di un palco con le Marionette senza Fili, Ilaria Neri), sono risultati perfetti nel supportare Alberto Parsi (Oscar Madison) e Giampiero Marrocco (Felix Hungar) che la natura (loro), prima di me,

ha unito in un duo perfettamente STRANO.

Vederli provare nell’interpretazione dei ruoli, è stato magnifico, proprio perché l’unica cosa che dovevano fare è stata imparare le battute, ed il nome degli altri: tutto ciò che invece ha comportato la fuoriuscita di due caratteri diversi, con i loro usi e costumi, è risultato spontaneo e con risvolti persino ludici.

Diversi non vuol dire estranei…diversi non vuol dire incompatibili…o forse si?

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La scena anni 60/70 di Rosita Bellotti è ormai un punto fermo di ogni mio spettacolo, impreziosita poi dalla Direzione di Scena di Francesco Lavorgna che, lasciati i panni di Victor Velasco

 in “A piedi nudi nel parco”, regala la sua attenta organizzazione alla causa comune.

Claudia Grasso cura i molteplici oggetti ed attrezzi di scena che, come per i costumi, sono scelti sempre con cura e minuziosa passione non solo dal sottoscritto, ma dall’Assistente alla Regia Federica Di Stefano, che passa in rassegna ogni mio minimo dettaglio, al fine di non perder nulla di ciò che comporta una regia così ampia, e migliorare quegli aspetti che ormai a volte adoro lasciare proprio al suo buon gusto.

Questo spettacolo, l’ultimo della stagione 2010 al Teatro di San Cesareo, segna il II° Memorial Giulanco, per non dimenticare la prematura scomparsa dell’Amico/Artista Franco Giulianetti che, inutile dire, sarebbe stato un perfetto Felix, nelle sue adorabili manie, e puntuali pignolerie.

il regista

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Da una commedia di Oscar Wilde.... Il fantasma di Canterville è una parodia delle tante storie di fantasmi del folklore scozzese. Una famiglia americana, la famiglia OTIS, acquista il castello di Canterville, in Inghilterra e vi si trasferisce. Questo risulta abitato dal fantasma di un certo Sir Simon de Canterville, antico proprietario e uxoricida. L’ambasciatore americano (Hiram Otis) ministro degli Stati Uniti, non si lascia intimidire dalle voci che corrono in quel luogo. La famiglia Otis e' composta, oltre che dal Signor Otis e sua moglie Lucrezia, da quattro figli: Washington, il maggiore, Virginia, una graziosa e dolce ragazzina di diciassette anni e due scatenati gemelli, Timb e Tomb. Il giorno in cui si trasferiscono nella nuova dimora la famiglia Otis scopre sul pavimento del salotto una macchia di sangue che, racconta loro la governante, la signora Umney, apparteneva alla moglie del presunto fantasma, da lui assassinata 300 anni prima. La famiglia non si impressiona per nulla, ma, con l'intraprendenza e la praticita' tipica degli americani, provvede immediatamente a ripulire il pavimento con il loro tuttofare Pinkerton, lo smacchiatore universale!Durante le notti seguenti il fantasma, che realmente esisteva, infuriato per non essere stato preso sul serio dai nuovi inquilini, prova ripetutamente a spaventarli. L'effetto comico si sviluppa dall'atteggiamento scettico e pragmatico degli Otis, che porta al fallimento di tutti i tentativi del fantasma di terrorizzare la famiglia, in modo che si decidano a levare le tende. Infine il colpo di grazia lo riceve quando, assalito all'improvviso dai due gemelli e da Washington, e' costretto ad una vergognosa ritirata. Alla fine, però, Virginia, la figlia maggiore del signor Otis, cerca di instaurare un rapporto con lo spettro, e ci riesce.
Un giorno mentre siede triste, ed ormai rassegnato, suscita la compassione della giovane Virginia. Gli racconta la sua terribile storia e Le dice di essere tanto stanco perchè non dorme da 300 anni e la implora di intercedere per lui e aiutarlo cosi' a morire e trovare finalmente pace. Virginia commossa decide di aiutarlo e lo accompagna nel giardino della morte; pregando per la salvezza della sua anima, gli fa ottenere il perdono Divino. In questo tempo la sua famiglia la cerca inutilmente, finché, a mezzanotte, ricompare. Mentre tutta la famiglia felice di aver ritrovato la sua cara figlia, s'accorge che il vecchio mandorlo del giardino e' rifiorito: l'anima di Lord Canterville e' stata perdonata e ha trovato la pace.

Divertimento e commozione sono gli ingredienti giusti di questa affascinante storia ma grazie anche ad un eccezionale cast di primo livello, ove spiccano la maestrale esperienza di Beatrice Palumbo, la puntuale capacità di metamorfosi di Alessandra Musìo e le mille maschere di Bruno Anecchini; unite al talento della giovane –finalmente in un ruolo drammatico- Alessandra Tomassi, e la prepotente presenza scenica di Domenico Izzo, ma soprattutto con l’esordio sulle magiche tavole dei più piccoli, Samuele e Davide Ravà, che sembrano esser stati creati per l’arte della recitazione; ed infine il fantasma, Claudio Tagliacozzo, che dopo aver dedicato i suoi primi dieci anni nel teatro, dirigendo ed insegnando recitazione, in questo 2008, dopo la comparsa (nel ruolo di Umberto) nella multimediale “Filomena Marturano” di Gianni Giaconia
(gennaio 2008), e dopo il ruolo da protagonista (Shylock) nel “Mercante di Venezia” di Claudio Aufieri (febbraio 2008), per la prima volta firma la regia di uno spettacolo che spadroneggia ANCHE direttamente con il pubblico; un anno di “folle” parentesi, che è servita per ampliare le proprie conoscenze, e per provare ancor più forti e vitali emozioni. Ma risulta fondamentale il lavoro di chi è dietro le quinte, che dalle scene ai rumori (rigorosamente dal vivo), dalle luci ai costumi & trucchi, vengono magnificamente orchestrati dalle “spalle” della regia: la direzione di scena (Federica Iorio), l’Aiuto Regia (Claudia Aufieri) e da una attenta produzione esecutiva (Maurizio Ravà).

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Camere da letto” è una commedia brillante e amara che racconta, in un incastro perfetto ed esilarante, la precarietà della vita matrimoniale, la difficoltà dei rapporti genitori/figli, le nevrosi e le gioie dei rapporti coniugali, la sessualità irrisolta o vissuta come tabù di quattro coppie della middle class inglese. La commedia si svolge nell’arco di tempo di un sabato sera e sceglie come luogo fisico, mentale e nevralgico, lo spazio di tre diverse camere da letto per ambientare degli spaccati di vita quotidiana, improvvisamente movimentati da colpi di scena e visite impreviste che mettono in discussione i già precari equilibri della vita familiare. E questo perché, come Ayckbourn fa dire a “Delia” fin dalle prime battute, “…da una camera da letto si capiscono tante cose…”. L’aperitivo di questa vicenda già fa sorridere e riflettere: quattro coppie e...tre camere da letto! Già, perché sarà proprio la coppia “Trevor” e “Susanna” che si insinuerà tra le altre tre, a metter caos e nervi in frantumi. Per non parlar poi degli attempati “Delia” ed “Ernest”, che già si ritrovano alle prese con la (solita) cena (fregatura) di anniversario e soffitti che perdono acqua, ed in più subiscono, ed assorbono, in piena notte, gli isterismi di una nuora snervante. Non può mancare la coppia “aperta”, formata da “Nick”, costretto a letto da un “colpo della strega” e di quella deliziosa “strega” della sua consorte “Jane” che se ne va ad una festa con sentimento e fantasia! Festa che è data, per inaugurare la nuova casa, da “Malcolm” e “Kate”, la quarta coppia! E festa che viene rovinata dai soliti due senza fissa dimora. Le camere sono quindi tre, con altrettante coppie che disperatamente tentano di richiudersi nella più intima delle stanza –la camera da letto appunto-, con il desiderio di star bene, soli, nella loro intimità. Ma ciò non avviene, per il verificarsi di una serie di situazioni prevedibili ed imprevedibili, che in una maniera o nell’altra ci fanno ricordare episodi della nostra vita e ci portano quindi a sorridere, e spesso a ridere di gusto. Merito di un testo che si può definire “commedia elegantemente raffinata”, a voler dimostrare che non c’è bisogno di volgarità e doppi sensi per far ridere il pubblico; merito anche di una regia “allegra” e “spensierata”, mirata al movimento continuo nel trambusto di tre piccoli spazi scenici; e merito degli attori in scena che pur essendo alla loro prima esperienza, lasciano traspirare passione ed impegno, ingredienti che premiano sicuramente!

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di Francesco Silvestri

In una baracca al limite della civiltà, rigettati dagli istituti psichiatrici, sopravvivendo in un loro ordinato caos, nello squallore di una periferia fra discariche, auto che sfrecciano e fari indagatori, troviamo tre innocenti barboni da me emblematicamente battezzati Giulia, Teresa e Mammina.
Sono tre reietti loro malgrado, dunque innocenti, dunque angeli, che scivolano nello scorrere del tempo, chiusi nel loro mondo, fra ordini impartiti, bacetti dispensati, gravidanze insperate ed il frutto di un amore restituito dalla spazzatura.
Perduti per sempre, con il loro candore violento, il loro vagare tra amore e crudeltà, nella loro recita quotidiana per virare d’altre tinte una non-vita.
In questo angolo di paradiso, fitto di citazioni ed omaggi alla drammaturgia della terra nativa del Maestro Silvestri, si intrecciano fiabe, liturgie, riferimenti biblici, scemi e santi, creaturine sperse, immacolate e diavoli, ali angeliche e rifiuti organici, il tutto tra l’acqua del mare, echi di messe e forte luce di una Luna temuta ed adorata.
E’ un frammento di presepe torbido e inquietante, con trame che procedono parallele e si intrecciano fra evocazioni del passato e proiezioni in un aldilà inconoscibile e, forse, inesistente.
“Angeli all’inferno”, è un fiorire continuo di visioni: la luna come ”una mamma bella”, un fanciullo che liberato dalle atrocità del quotidiano riesce a prendere il suo posto tra gli angeli, fino a piume, che spuntano non per caso a punire e lodare la bontà di un animo…sono voli della poesia e della fantasia, a volte surreali, altre volte docilmente fiabeschi.
“La Luna è una Mamma bella” è la chiave di tutto, o di niente. Incertezze dovute a questo dramma quotidiano, raccontato in una storia definibile per i “pignoli del Generi” come una commedia grottesca, che ha nella sua tragicità, risvolti drammatici nonché comicamente acidi.
Una regia “pratica”, per una visione “pratica” del vivere la storia, lasciando che il testo entri nelle menti e nelle ossa di chi si trova a vivere con i nostri “angeli”.
Scrupolosamente attento ad ogni spunto della piece, nella mia regia, ho rielaborato paradossalmente “Giulia” e “Teresa” dettati nell’originale dall’Autore come “Pietro” ed ”Emanuele”. Una diversa visione, quindi, che non lascia l’amaro in bocca, anzi, ci rapisce ed incuriosisce, prendendo la spinta necessaria su dogmi che affiorano lampanti: l’asessualità degli angeli, unita alla protezione materna che gli stessi, stranamente…, fanno emergere.
Un eccezionale cast, tre attrici uguali e diverse, grazie alle quali si mescolano omogeneamente tre stili derivanti da altrettanti metodi di interpretazione, con una scena capace di amalgamare, e con effetti sonori e di illuminazione sapientemente miscelati.
Da non sottovalutare assolutamente come tutto sia perfettamente raccontato con le musiche di uno tra i più imponenti veri compositori del panorama italiano: SERGIO CAMMARIERE, che con i brani del suo album “SUL SENTIERO” ha catturato ed inspirato letteralmente la regia. E’ incredibile come i suoi versi e nelle sue sonorità, sembrano aver preso vita dopo aver giocato con la mente dell’autore.
Testi talmente confacenti che è stata una scelta “felicemente forzata” quella di usare le stesse canzoni come un cantastorie, quasi a giovare lo spettatore nella ricerca della concentrazione giusta per un testo così profondo, e a dare “informazioni” ulteriori a supporto delle battute.

Un omaggio al Maestro Silvestri Francesco, autore/attore/regista,
al quale Claudio Tagliacozzo DEVE l’accendersi della morbosa passione per l’arte teatrale:
“..la Regina delle Arti..”.

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…A più di dieci anni dal suo inizio, la guerra tra l’emisfero superiore e quello inferiore continua incessante senza mostrare alcuno spiraglio di conclusione. I combattenti infatti…

Proprio così ha inizio questa brillante commedia scritta dall’autore-attore-regista Francesco Silvestri in tenera età.

L’autore, che ha collaborato in passato con la compagnia, affronta ne “La guerra di Martin” temi non proprio sottili, come quello della guerra, della morte, ecc; il tutto però e rallegrato e reso più “leggero” proprio da questo personaggio, Martin: uno scemo legale, con tanto di certificato, che va contro ogni forma di guerra e di violenza svolgendo un compito inusuale ma che a volte vale più di qualsiasi altra cosa: regalare ricordi a tutti, a tutto il mondo, a chiunque in un determinato momento della sua vita possa trovarsi in difficoltà. Questo piccolo gesto può aiutare a far nascere di nuovo il sole in ognuno di noi…

 

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"Il consenziente e il dissenziente", scritto nel 1929, appartiene al periodo del "teatro didattico" di Bertolt Brecht, che rappresenta in esso uno scontro di tesi opposte e sollecita gli spettatori alla riflessione.

In quest' opera Brecht vuole insegnarci che dobbiamo "dissentire dalle antiche usanze" che ci appaiono ingiuste, e "riflettere a fondo ogni volta che la situazione cambia".

Questo è il primo spettacolo che la Compagnia (che nel 2000 prende il nome di Marionette senza Fili) ha prodotto, quando ancora tutte le attività si svolgevano all’interno dell’Istituto Tecnico e Commerciale Luigi Luzzatti di Palestrina.